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Lars Mlekusch y Patricia Coronel.

Entrevista a Lars Mlekusch  por Patricia Coronel

Entre tarta Sacher, café vienés, lluvia y algunos grados transcurrió mi conversación con mi profesor, Lars Mlekusch. Desde el primer momento que le informé de la existencia de esta entrevista, estuvo totalmente volcado y dispuesto a concederme unos minutos  de su ajetreada rutina de clases y ensayos.

Buenas tardes Lars, empezaremos la entrevista contextualizando a los lectores con algunos aspectos de tu biografía. Eres suizo, nacido en Baden y actualmente unas las principales figuras del saxofón a nivel mundial, ¿Cuáles han sido las influencias más importantes para ti hasta hoy en día?

Nivel alto el de esta entrevista, primera pregunta y ya difícil de responder. Yo comencé de forma autodidacta con el saxofón, empecé a estudiar sin profesor  pues mi primer instrumento fue el clarinete. Años más tarde tuve a mi primer profesor  de saxofón, él era un músico amateur. Él fue una gran influencia para mí porque para él cada clase era “una decisión tomada para hacer y transmitir música, en cada nota y en cada silencio”; algo verdaderamente importante. Este primer profesor me guió por el Jazz y mis primeros años como saxofonista fue puramente de jazz.

Años más tarde muchos profesores me “aconsejaron” seguir una línea más clásica (por aquello de que es algo ‘más serio’, yo sigo negando esta frase jeje). Influenciado y no muy decidido, me inicié en el mundo del saxofón clásico y un par de años más tardes empecé a recibir clases de Marcus Weiss. Marcus pudo marcarme el camino técnico de una manera clara y concisa, además de influenciarme directamente con un repertorio totalmente desconocido para mí hasta entonces: la música contemporánea. Le debo a él muchas cosas, pero sobretodo  la concepción de la música contemporánea como un estilo más, en la cual el  proceso de desarrollo interpretativo tiene que ser idéntico a cuando te enfrentas a cualquier concierto o sonata romántica o clásica.

Posteriormente tuve el placer de ser alumno de Frederick Hemke y poder ser protagonista de sus infinidades cualidades pedagógicas, por su larga labor docente. Pero en Chicago solo fue un año el que pude estar directamente influenciado, aún así, muy intenso. Por supuesto figuras como Arno Borkamp y Claude Delangle han servido de influencia para mí en años posteriores.

Si tenemos que describir con cuatro palabras tu perfil profesional, ¿cuáles usarías?

Saxofonista, profesor, artista y director de orquesta.

Pues siguiendo esta descripción, centraré mi entrevista por bloques, según has comentado. En el primer bloque, quisiera conocer la opinión de “Lars como saxofonista”:

  • ¿Cuál es tu opinión sobre el nivel saxofonistico ( en general) hoy en día? El balance es muy positivo, el nivel está creciendo a un ritmo frenético. Lo puedo comprobar a diario en mis clases en Viena y Zurich, pero también en Masterclass y concursos en diferentes países. Este desarrollo ha sido magnifico, especialmente a nivel técnico;  pero también tengo que añadir que (en general, por supuesto no siempre y no todos los saxofonistas) no desarrollan su nivel artístico al mismo ritmo que el técnico, notando falta de conocimiento de todo lo que rodea a una pieza, más allá de las singularidades técnicas.
  • ¿Cómo ves el futuro para los jóvenes saxofonistas? Conectando con la pregunta anterior, si tomamos como referencia concursos mixtos ( con todo tipo de instrumentos) es maravilloso comprobar que  cada vez más saxofonistas ganan los primeros premios (tanto a nivel de solista como en música de cámara). Esto es un aspecto positivo y que debe servir de motivación para todo saxofonista, a pesar de ser un instrumento “joven” no estamos por detrás de ningún instrumento y hemos conseguido alcanzar una buena posición. Eso se lo debemos en gran parte a los jóvenes que hoy en día ayudan a seguir aumentando el nivel.

Pero volviendo a la pregunta, creo que todo músico nunca debe quedarse esperando a que ese trabajo llegue algún día. Concretamente los saxofonistas, debemos de estar a diario creando y desarrollando nuestro propio camino. Por supuesto hay que especializarse, ser profesional y conocer a fondo el instrumento; pero sin perder la personalidad de cada uno y buscando qué y de qué forma puedo hacer algo a buen nivel y mostrarlo.

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Seguimos con el segundo bloque, este caso centraremos las preguntas al aspecto docente. El recorrido como profesor es bastante largo e intenso, a pesar de tu juventud.

Tan sólo con 26 años (2004) comenzaste a dar clases como profesor de saxofón y música de cámara en Konservatorium Universität en Viena (Actualmente Musik und Kunst rivatuniversität der Stadt Wien). Desde 2004 a 2007 también fuiste profesor de saxofón en la Universidad de música de Basilea (Suiza).  Y desde el año 2015 eres profesor de saxofón y música de cámara en la Universidad de Artes de Zurich (ZHdK).

  • ¿Cuál es para ti la parte más interesante de trabajar a diario con estudiantes de muchas nacionalidades? ¿Qué influencias directas recibes de todos ellos?

En general la parte más interesante de ser profesor, independientemente de tener o no una clase internacional, es aprender de ellos e intercambiar  ideas de manera constante. Para mí la relación con cada alumno es un diálogo diferente, en el que cada uno aportamos preguntas y respuestas y vamos creando el camino, no se trata de una sola dirección y/u opción y seguirla. Por eso me encanta enseñar, me gusta más las palabras “Mentor” o “Entrenador” que profesor; por supuesto muchas veces soy profesor y doy consejos e ideas que directamente funcionan sobre algo. Pero me encanta esa parte de mi trabajo, donde puedes comprobar los avances desde ‘un segundo plano’ y ser parte de su desarrollo como músico y persona.

Sobre el aspecto internacional de mi clase, la parte más positiva es el intercambio continuo entre ellos: vienen de diferentes países, con culturas bastante lejanas unas a otras, vienen de diferentes escuelas y formas de trabajo. Todo esto hace muy rica a la clase y concretamente a la visión del saxofón, comprobando todas las opciones que existen. Ellos aprenden muchísimo entre ellos y se complementan, en general, a la perfección.

  • ¿Crees que hay alguna parte menos positiva de tener una clase muy internacional? 

15145065_10211742568498565_393561846_o-1Quizás el primer obstáculo siempre es el idioma. Esto puede ralentizar la comunicación con ellos, pero este problema suele ser superado después de las primeras semanas. (Normalmente, aunque siempre hay excepciones jeje ).

Pero para mí la parte menos positiva de tener estudiantes de países bastante lejanos entre sí, es cuando acaban sus estudios o su ciclo de formación en la Universidad y vuelven a sus lugares de origen. Me explico: muchos de ellos han formado o desarrollado formaciones camerísticas que funcionan realmente bien, pero por circunstancias, algunos de los miembros no quieren/pueden continuar en el lugar de estudios y vuelven a sus países.  Esto no es generalizado, pues también hay muchos estudiantes que permanecen en el lugar de estudio (o alrededores) o simplemente, mantienen las formaciones con un trabajo por ‘encuentros y proyectos’.

  • En primera persona puedo comprobar cómo crees en tus alumnos y los involucras en cada proyecto al 100%. Cuentas con nosotros como parte fundamental del proyecto, explicando que es por y para nosotros y que para eso, deben de conocer todo lo que conlleva la preparación de algún festival, concierto, conferencia… ¿Por qué sigues esta línea de trabajo?

Por qué hago esto no lo sé, lo hago porque creo que es la forma de trabajar. Para mí es el camino para mantener la motivación en la clase. Además de mantener la motivación, esta forma de trabajar sirve para hacer mucha más unión entre todos (alumnos y profesor), conocer más a fondo a cada uno y respetarse mutuamente. Sigo confiando en el trabajo de ellos e involucrándolos en cada proyecto, porque siempre ha sido positivo el balance y el efecto  que ha causado sobre ellos.

Me parece imprescindible que los alumnos sean conscientes de todo lo que conlleva la organización de cualquier evento: organización de horarios, control de tiempos, números y cuentas, comunicación con todo tipo de personas (músicos y no músicos)…

Creo que todos vosotros aprendéis mucho cuando formáis parte del proceso de ‘construcción’ de un proyecto y es una experiencia que en el futuro siempre podréis usar para vuestro propio desarrollo como músico y/o como persona fuera de la Universidad.

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  • ¿Cómo te sientes al comprobar la proyección de tus estudiantes, tanto anteriores como actuales?

Profundamente orgulloso y agradecido con ellos, por formar parte de su formación o haber formado parte. Es muy gratificante comprobar como han podido aprender y mejorar, a la vez que han encontrado su forma de encaminar su vida profesional. Un buen ejemplo de ello, es FIVE SAX: un grupo de cinco estudiantes, procedentes de países totalmente diferentes y que empiezan a tocar juntos y a divertirse con su música en la calle, pues como todo estudiante quiere esa independencia económica y por qué buscarla con algo que se sabe hacer y se disfruta. Comenzaron en la calle y comprobaron que se puede potenciar el nivel musical a la vez que artístico y que el público lo recibe de manera magnífica. Así fueron creciendo y trabajando hasta el punto de debutar en lugares como Musikverein, Wiener Konzerthaus, a protagonizar giras por Asia, México.. Otro gran ejemplo de esto es el DUO ALIADA: unos compañeros de universidad (saxofón y acordeón) deciden empezar a trabajar juntos con el propósito de ganar un concurso de música de cámara interno de la Universidad. Consiguen el primer premio y esto le da un importante impulso para crecer y hacerse de buenos contactos y colaboradores, llegando a debutar también en Musikverein y Wiener  Konzerthaus (Viena),  Carnegie Hall (Nueva York), etc.

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Ver cómo estas grandes salas de conciertos son protagonizadas por saxofonistas (cosa poco habitual) y encima por alumnos tuyos, es algo maravilloso.

Todo esto es algo imprevisible y que yo no puedo controlar, ocurre y en muchas direcciones. Por supuesto también muchos de mis alumnos trabajan muy bien y mucho, mantienen sus proyectos (quizás con menos publicidad) a buen nivel y ritmo.

  • Ya es oficial que el próximo verano habrá una nueva edición de AROSA MUSIC ACADEMY. Coméntanos un poco sobre esta academia de música de verano.

Arosa Music Academy es una zona maravillosa de montañas en Suiza, donde el ambiente es inmejorable. Será del 20 al 26 de Agosto  Clases todos los días individuales, clases con piano, clases de música de cámara con saxofón y con otros instrumentos. Este año contaremos para las clases de saxofón con  Christian Wirth,   Timothy McAllister  y conmigo mismo. Con dos magníficos pianistas acompañantes: Florian von Radowitz e  Iren Seleljo. Además al mismo tiempo se desarrollarán masterclass de acordeón con dos extrardinarios profesores:Stefan Hussong y  Grzegorz Stopa.

Quedáis todos cordialmente invitados a participar, creo que es un tipo de masterclass que no se pueden perder.

Pasamos al siguiente bloque, es turno ahora para hablar de Lars como artista. Cuando hablo con compañeros saxofonistas y digo que estudio contigo, directamente  relacionan tus interpretaciones y conciertos únicamente con la música contemporánea. ¿Qué opinas sobre este comentario generalizado? Algunos consejos sobre cómo y por qué trabajar este estilo.

No es del todo cierto, por supuesto la mayoría de mis conciertos están protagonizados por un repertorio contemporáneo y nuevo. Desde los 21 años he formado parte del conjunto de artistas de Klangforum Wien y a continuación como saxofón solista de Phace Ensemble. Esto me ha hecho involucrarme de manera directa con la música contemporánea y perfeccionarme en ella. Pero también he tocado mucha música de otros estilos, especialmente del periodo barroco. He explorado posibilidades sonoras con transcripciones con piano, órgano y acordeón. También he interpretado con el saxofón mucha música de Schumann, gran parte de ella piezas para voz que han hecho conoce muy a fondo mi instrumento.

Pero es cierto que me gusta apostar por la evolución del repertorio del saxofón. Para ello creo que es fundamental trabajar con compositores. Es increíble conocer todo el proceso creativo que hay detrás de una obra y a la vez ser parte fundamental de ese proceso, es algo fascinante. Creo que todos los estudiantes y músicos en general, deben de hacer este trabajo. Deben acudir a conciertos internos de la clase de composición, entablar relaciones con jóvenes compositores y aprender ambas partes de una obra. Yo empecé así, trabajando con compañeros compositores que posteriormente han conseguido mucho renombre internacional.

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  • ¿Crees que los saxofonistas debemos de involucrarnos de manera más directa con este estilo y con esta conexión intérprete-compositor?

Todos los instrumentos deben de estar implicados en este estilo y en esta forma de trabajar. Pero es cierto que el saxofón no dispone de un respaldo en repertorio como otros instrumentos, por lo tanto nuestra implicación debe ser mucho más directa. No obstante no termino de entender esa poca colaboración e implicación por parte de otros instrumentos en este estilo contemporáneo. Creo que es fundamental para ser parte protagonista de lo que ocurre hoy, en nuestra época y no sólo en el pasado.

Esto se ha repetido en la historia de la música y del arte en general: cada estilo musical fue contemporáneo del que le antecedía y siempre quién apostó por lo nuevo y quién no.

  • ¿Qué significa para ti ser ‘artista’ como músico en un escenario?

Ser artista significa creer en algo, creer en lo que haces, creer en el por qué lo hacemos. Para ser artista en un escenario hay que creer plenamente en lo que estamos mostrando para posteriormente la audiencia tenga la atmósfera perfecta para poder creer en lo mismo. Cuando consigues eso, es para mí  ser artista y por lo tanto, conseguir un nivel superior interpretativo.

Esto se debe hacer siempre, cuando se trata de música del pasado debemos también saber mostrar al público todo el contexto necesario para que entienda esa música y pueda volver en el tiempo con su imaginación al escucharla.

Con todo esto no me refiero a que el artista tiene la verdad absoluta sobre una interpretación, pero tiene su verdad y tiene que tener la capacidad de convencer a la audiencia de esa veracidad.

Ser artista es creer en ti, pero no solo como intérprete en un escenario, también como músico, cómo profesor, como director, etc.

El último bloque sobre tu perfil profesional es el de director de orquesta. ¿Por qué te decidiste a iniciarte en esta especialidad musical?

Ya con 15 años tuve mi primera clase de dirección y es algo que siempre me gustó: poder ser alguien intermediario y tener la oportunidad de crear algo mayor musicalmente, pues la visión de un director siempre es desde un enfoque más generalizado. Digamos que el papel del músico es mucho más directo con el sonido y con cómo realizarla: tu instrumento, la afinación, la calidad del sonido, de la articulación, etc. Pero el papel del director es saber qué hacer con ese sonido que sale, por lo tanto el contacto no es tan directo y eso dificulta su realización. También considero que es fundamental que un director sepa llevar a sus músicos a resolver problemas interpretativos juntos, saber encaminarlos a la correcta interpretación, hacerles énfasis en conocer a fondo cada repertorio.

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Además de por ese punto de vista, me apasioné desde muy joven por la dirección porque me permitió  conocer de manera directa más repertorio y estilos. Al ser saxofonistas nos enfocamos demasiado en un tipo de repertorio y periodo, podemos interpretar otros estilos pero no terminamos de conocer a fondo cómo funcionan. Por eso al trabajar en Milán con el maestro Emilio Pomarico me hizo abrir mi mente y conocer con lupa el trabajo de Schubert, Mahler, Beethoven, ect. Esto me permitió pasar más tiempo con estos estilos e interiorizarlos, al igual que hacemos con nuestro repertorio saxofonístico.

  • ¿Cómo consideras como director el trabajo con ensemble de saxofones?

Como profesor de saxofón, la manera más fácil de practicar y aprender más sobre dirección es usando lo que más cerca tienes: ensemble de saxofones. Con el tiempo me ha ido gustando más y más esta formación, pues he de reconocer que nunca fui defensor del ensemble de saxofones mientras estudiaba. Pero es cierto que las posibilidades son infinitas y he podido trabajar directamente todo tipo de obras (Strawinsky, Haydn, Dukas, Wagner, etc). También me he volcado en la evolución del repertorio para esta formación, trabajando con compositores y haciendo estrenos de muchas obras; esta fue la principal razón por la que nació ‘Vienna Saxophone Orchestra’.

Además creo que para un saxofonista el ensemble es fundamental, pues es donde realmente se practica eso de tocar en grupo, ser dirigido, formar parte de un conjunto que tiene que crecer y evolucionar juntos. Es cierto que no formamos parte desde pequeños de orquestas (como sí pasa con otros instrumentos) y esto hace que la experiencia en estos contextos para muchos saxofonistas empiecen en el propio ensemble, por lo tanto, es un trabajo muy necesario.

También voy desarrollando mi labor como director fuera del ámbito del saxofón, con orquestas de cuerdas y con ensembles contemporáneos. El pasado verano fui invitado a un festival de orquestas en Chile y en el próximo año ya tengo programados dos proyectos con dos muy buenas orquestas de Alemania.

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Damos por finalizado los bloques sobre tu biografía y comienzan algunas preguntas generales sobre opinión y curiosidades. ¿Qué opinas sobre el nivel saxofonístico en España a día de hoy?

Definitivamente es uno de los países que más está contribuyendo a incrementar y mejorar el nivel. Mi primer contacto con estudiantes españoles fue en 2008 con algunas Masterclass en Madrid, Sevilla, Granada, Málaga, Mallorca, etc. Y posteriormente fui descubriendo más lugares (Zaragoza, Valencia, A Coruña..).

Siempre me he quedado muy impresionado por buen nivel técnico e interpretativo y cómo esto sigue creciendo. Pero lo que realmente me impresiona es como todo tipo de escuelas conviven en España y enriquecen a sus saxofonistas. Algunas escuelas son más tradicionales, otras más influenciadas por otros países, otras más abiertas a la música contemporánea; ninguna es mejor que otra y cada una se desarrolla paralelamente. Esto es maravilloso. Además de diferentes escuelas y métodos de enseñanzas, tienen cabida todo tipo de estilos. Por todo esto, me resulta muy difícil hablar de ‘una escuela española del saxofón’. Diferentes escuelas han influenciado a saxofonistas españoles y vosotros habéis sabido aprovechar las diferentes influencias para crecer y luego elegir el estilo a seguir. Para mí en España no hay un camino dogmático a seguir ni un estilo que copiar.

Lo que sí creo que existe es una clara influencia francesa, al igual que en resto de países, pero de una forma más directa. En algunas clases de España se sigue un estilo francés mucho más ‘conservador’ que la escuela francesa a día de hoy. Pero no deja de ser una simple opinión personal.

¿Por qué te surgió este interés por el mundo de las boquillas y formar parte protagonista en la creación de una nueva boquilla?

boquilla_lm1_lars_mlekusch_saxoQuería materializar el sonido que tenía en mi cabeza y el cual no era capaz de encontrar con los materiales existentes. Empezamos a desarrollar un proyecto conjunto con la empresa austriaca PlayNick y estuvimos trabajando durante 4 años buscando un sonido un poco más oscuro, pero a la vez grande y flexible.  Quedé muy satisfecho con todas las boquillas, excepto con la de soprano. Algunos de mis colegas las usan y funcionan, pero yo personalmente no la uso ni estoy satisfecho con el resultado de ésta. 

Con el lanzamiento de la serie ‘Concept’ de Selmer quedé realmente impresionado con su boquilla para soprano y es la que uso normalmente. Me parece una boquilla muy versátil, precisa e ideal para trabajar.

Normalmente tengo varias boquillas en uso y las cambio según repertorio, pero por lo general uso mis boquillas LM, excepto en soprano. En tenor anteriormente trabajé mucho tiempo con T-20 Vandoren y en Baritono suelo usar la BL-3 Vandoren, pero también toqué mucho tiempo con Selmer D.

Por último, siéntete libre de añadir y comentar tus próximos proyectos.

Quedan todos oficialmente invitados a SAXFEST en Zurich en Marzo 2017. Será la primera vez en Suiza y tendrá de especial que todas las escuelas y clases de Suiza estarán involucrados en el festival, además de la Asociación Suiza del Saxofón. Serán sólo tres días, pero muy intensos. Masterclass con  Frederick L. Hemke, Iwan Roth, Rolf-Erik NystrømNikita Zimin Marcus Weiss Sascha Armbruster Lars Mlekusch Beat Hofstetter, Raphael Camenisch, Pierre-Stéphane Meugé, Harry WhiteMichael Krenn.

Conciertos de saxofón ensemble de Viena/Zurich, 20 conciertos, conferencias, mesas redondas. Y haremos  la interpretación de Sciarrino “La Bocca, I Piedi, Il Suono” para 100 saxofonistas, por lo tanto quedan todos invitados a participar en este evento.

Muchas gracias por tu tiempo Lars

Gracias a ti Patricia, por tu implicación e interés. Un saludo a todos los seguidores de SaxRules y todos mis amigos y compañeros de España.